「西洋骨董鑑定の教科書」の発売と同時に、本書を読み解いていく集まり、「読書会」が誕生しました。
　

　どこから読んでもよい、西洋アンティークの辞典的な作りとなっている本書ですが、テーマを決めて、そのテーマについて触れている箇所を読みながら、あれこれツッコミつつも、装飾美術の世界を深めていく、そんな勉強会です。
　

　当協会では、本書の監修を担当させていただきましたが、著者はあくまでも英国人のジュディス・ミラー氏、彼女の文章やその翻訳を尊重し、文意などをいじることはしていません。ちょっとわかりにくいかもしれない、という語彙に注釈を加えたり、日本語としてすでに通用している語彙表現を統一したり、そんなお手伝いをしたにすぎません。ですので、「これは、イギリス目線から見るとそうだけど、必ずしも言い切れないのでは？」とか、「これが入ってて、あれが入っていないのは、なぜなのか」と言った疑問も、実は出てきました。
　

　読書会、などとちょっと堅苦しい言い回しにしたので、通常のサロンより人は集まらないかもしれない、専門家講師をお招きして拝聴する、という形式ではなく、内輪の勉強会だから、まあ時間があって、ちょっと一緒に勉強してもいいかな、という少数参加者を想定していましたが、初回から多くの人が集まり、２回目は満員御礼となりました！
　

　第２回の家具では、椅子についてのページを読み解いていきました。西洋の室内に欠かせない、椅子・・・なのに、実はその歴史は意外とそう古くはありません。その時代の姫たちはどんなファッションだった、どんな髪型だった、だから椅子はこうでなくてはならないのではないか、いや、この時代にこの木はこの国にあったのか、当時の家具職人って、どういう身分だったの、家具職人の中にも、高級素材を扱える人と扱えない人で、職位どころか職業を表す名称まで異なっていたの、この値段なら買えないこともないわねえ、などと色々な意見を出し合い、あっという間の2時間の読書会でした。
　

　
　よく、アンティークは「偽物だった」「騙された」ということがつきもののように思われますが、そもそも骨董品の価値の解釈はさまざま、そして「本に書いてあること」が必ずしも正しい、とも限りません。もちろん出版された書物というのは、それなりに（こんなblogの文章なんかよりも）信頼に値するものではありますが、それでも数学のように正しい答えが１つだけ書いてある、というものではありません。それを十分に承知の上で、ちょっと斜め目線で、見方を変えて読んでみる、そんな「読書会」があってもよいのかも。
　

　次回第３回は「陶磁器」がテーマ、6/2（土）の夕方より行います。当初、夕方からなら、ちょっとアペリティフでも飲みながら・・・と考えていましたが、会場の規定でアルコールは禁止ですので、可愛く、ノンアルコールのアペリティフで行なっています！
　
　

　レイモン・サヴィニャックというポスター画家を知っていますか？
　

　ミュシャ、ロートレックなどのアール・ヌーヴォーのポスター画家、またアール・デコ時代のカッサンドルなどに比べて知名度は低いかもしれませんが、「あぁ、牛乳石鹸のあのポスター！」「ペリエの、あれね！」とフランス人なら誰もが知っている、ユーモア満載のポスター画家、その展覧会「サヴィニャック　パリにかけたポスターの魔法」が練馬区立美術館にて開催しています。
　

　AEAOサロン倶楽部・4月の会は、サヴィニャックLOVEの中山久美子先生のプレ・レクチャーと、本展の見学会で行われました。
　

　レクチャー会場は、近隣カフェでお茶＆タルトをいただきながら。サヴィニャックとは、どんな作家だったのか、彼がポスターに秘める思いとはなんだったのか、どんなメッセージをどんな方法で描いているのか、そんなお話を、図録を見ながら解説していただきます。
　
　

　

　サヴィニャックがアシスタントを務め、崇拝していたカッサンドルが最後には自殺してしまうのと対照的に、94歳まで生きたサヴィニャックの作品は、パリという20世紀の都会のウィット、ユーモアをふんだんに表しており、どれも愛らしいモチーフ、そこには強い政治的プロパガンダやイロニーといったものは見られません。実家が大衆食堂を営んでいた家庭であり、芸術家目線ではなく、一般人目線でものごとを捉えていたがゆえに、街中の広告というものの意図や効果をより理解していたとも言えるのでしょう。
　

　美術館会場は土曜日とあって、また会期の終わりに近づいていることもあり、多くの人で賑わっていました。なんと200点を越す作品数で、同館のほぼ全会場が本サヴィニャック展に当てられていました。
　
　

　現在のポスターデザイナーは、みなさんデジタル制作でしょうが、本展ではポスターの原画が数多く出品されています。グワッシュなどで描かれた原画は、それだけでファイン・アートと言える作品のレベルです。
　

　

　本展は練馬区立美術館での展覧会は4/15までですが、その後宇都宮美術館、三重県立美術館、兵庫県立美術館、広島県立美術館を巡回いたします。
　
　

　3月のAEAOサロン倶楽部は、ちょうど世田谷美術館で開催中の展覧会「ボストン美術館 パリジェンヌ展 時代を映す女性たち」に合わせ、ファッションにおけるロココから20世紀初頭までのパリの世界での立ち位置、パリジェンヌの装飾品について学びました。
　

　当サロンはワンスポット形式で行なっており、基礎知識も特に必要なく、誰でもいつでも参加できる開かれたサロンなのですが、今日は１つ、参加者のみなさんへ課せられたデューティがありました。それは、「自分にとってパリジェンヌ（パリジャン）をイメージするものを、何か１つ身につけてくること」。何も新調する必要はなく、お化粧でもファッションでもベレー帽１つ、スカーフ１枚でも何でもよいので、ちょっとパリジェンヌ（パリジャン）を再現してみましょう、という企画です。
　

　この課題に「三日三晩悩みました」という方、「自分が思い描いたパリジェンヌのあの服を着ようとしたら、太ってしまって入りませんでした」などのコメントと共に、まずはお一人ずつ自己流パリジェンヌ（パリジャン）を披露しながらのスタート。普段のサロンでは、会場内に余計な音楽などが流れていたら音を消してもらうのですが、今回は、昨年亡くなったフランス映画界のミューズ、ジャンヌ・モローのシャンソンをBGMに。
　

　
　そして、中山久美子先生（共立女子大講師、当協会認定アンティーク・スペシャリスト）による「パリジェンヌ展」の講義を、展覧会の章立てに沿って、フランスの政治や社会、風俗の歴史とともに、ルイ14世時代からジャズ・エイジまでを一気に徹底解説していただきました。
　

　
　18世紀の頃のお話は、宮廷文化ゆえ自分たちに遠い存在であるパリジェンヌ感も、19世紀後半労働者の女性や娼婦までもがパリジェンヌになり得る時代になると、社会風俗も身近に感じられて、質問も積極的に飛び出し、活気あるサロンとなりました。
　

　今回のサロンは、参加者のご好意によりご自宅のあるマンションの共有施設を利用させていただいたのですが、終了後はみなさんで高層マンションの屋上に出て、パリではなく東京の初春の空気を吸って、楽しく終えました。
　

　さて、来週からは本物のパリジャン・パリジェンヌたちの中での海外研修が始まります。
　
　

　AEAOサロン倶楽部・2月の会は、ちょうどパナソニック汐留ミュージアムで開催中のヘレンド展に合わせ、ヘレンドを取り上げました。会場は、12月のサロン（「華やかなりし、セーヴル磁器」）でお世話になった、銀座ミタスカフェの個室。ここのケーキはボリュームたっぷりで美味しい上、個室も素敵なアンティーク調度品で囲まれた空間なのですが、キャパに対して申込者が殺到し、２回ならぬ、まさかの３回開催となりました！ご参加いただいたみなさま、有難うございます。
　
　
　

　複製、コピー、パクり、真似・・・あまりよい言葉とはされていませんが、ヘレンドという窯がマイセンやセーヴルと肩を並べるほどの高級磁器の地位を築き上げたのは、まさにヘレンドが、古磁器を完璧に模倣することができたからなのです。マイセンのディナーセットの補充を請け負って、マイセンそっくりの品を作ることができた、この精緻な技術がヘレンドの発展に大きく寄与したのです。
　

　なんだ、マイセンのコピーか・・・と思うなかれ、そもそも陶磁器だけでなく、西洋の美術は模倣を手本としてきました。古くはルネサンス、古代ギリシア・ローマの美術を模倣して復活させることでした。陶磁器先進国であった中国からの青花を手本に、デルフトはブルー＆ホワイトを生み出し、有田の柿右衛門はマイセン、シャンティイ、多くの窯にそのモチーフが転用されました。
　

　もちろん真似だけで大きく成長したわけではありません。ヴィクトリア女王に愛された「ヴィクトリア」シリーズ（注文されたからこそ、この名前がついたわけですが）、ウージェニー皇后に愛された「インドの華」、そしてエリザベート皇后に愛された「ゲデレ」など、時のファッション・リーダーたちから次々と愛されていったヘレンドの製品、実物を見れば、その理由もおわかりですよね。
　

　「何かヘレンドをお持ちの方はお持ちください、みなさんで一緒に鑑賞しましょう」と呼びかけたところ、1回目は講師だけが持参したのですが、2回目は何名かの方がそれぞれのキャビネットケースからお持ちくださり、さらに3回目は、もうクロスに乗り切らないほどみなさんあれこれお持ちいただきました。やはりコレクターも多いですね。
　

　先日開かれていたテーブルウェア・フェスティヴァルでもヘレンドのテーブルコーディネートのブースがあり、新作「ヴァイオレット」が展示されていました。皇妃エリザベートが愛したすみれの花のモチーフで、とても上品なシリーズです。4月より、販売開始となるそうです。
　

　AEAOサロン倶楽部・1月の会は、ラリックの香水瓶をテーマに集まりました。ちょうど松濤美術館で開催されている「ルネ・ラリックの香水瓶ーアール・デコ、香りと装いの美ー」展の見学も兼ねて、ラリックの香水瓶の世界を深く知ろう！という主旨です。

　
　
　見学前のミニ・レクチャー会場は、カフェ・タカギクラヴィア。お隣にはコンサート・ホール「松濤サロン」があり、スタインウェイのピアノのある素敵なカフェです。こちらで、特製サンドイッチ（美味しい！）とコーヒーをいただきながら、フランスと香水の切っても切れない関係、香水の歴史、香水瓶のデザインの変遷、などを学びます。
　
　

　そして、松濤美術館へ。この日は同美術館学芸員の方が、私たちのサロン参加者のために、特別に作品解説をしてくださるというVIP待遇を受けました。やはり事前に章ごとの解説を頭にインプットしておくと、時代やテーマが頭に入りやすいですね。
　

　
　ミニ・レクチャーで少しお話しましたが、日本のマーケットではフレグランスの化粧品業界全体に占める割合がダントツに低く、むしろ「香水公害」という言葉もあるほどで、香水があまりウェルカムな社会ではありません。一方、ルネ・ラリックを生んだフランスはといえば、歴史的にも18世紀にはほぼ全員がなんらかの香水をつけていたと言われる香水大国です。
　

　その香水ですが、かつてはお客さんはお店で調合してもらって量り売りで買い、自宅で自前の容器に入れ替えていました。その習慣を20世紀初頭に塗り替えたのが、まさにルネ・ラリックの香水瓶だったのです。
　

　アール・ヌーヴォー期にジュエリー・デザイナーとしてすでに大成功を収めていたルネ・ラリック、外見のデザインの工夫で、如何に中身（コンテンツ）が素晴らしいものであるのかを表すことを知っている、元ジュエリー・デザイナーの知恵だったと言えるのでしょう。彼の香水瓶は、量産品であるにも関わらず、ただの容器の域を超えて、やがて美術工芸品としての価値にまで高められていきます。
　

　本展覧会は、1/28（日）まで開催されています。お見逃しなく！